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History Of Jazz #114 - Fats Waller (I)

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W- Waller, Fats
African Ripples
Viper's Drag
(16 de noviembre, 1934)


Thomas Wright "Fats" Waller, uno de los grandes pianistas de la historia del swing y del stride piano, nació en Harlem, Nueva York, el 21 de mayo de 1904 y murió en Kansas City, el 15 de diciembre de 1943.

Según nos cuenta Gioia:

Waller recurrió al amplio abanico de posibilidades que le brindaba Nueva York para afinar sus destrezas. Entre sus maestros se encontraban dos grandes instituciones musicales de la ciudad, el conservatorio Juilliard y James P. Johnson, así como otras muchas situadas entre ambos extremos. Sus primeros lugares de actuación fueron igualmente diversos, lo cual refleja el aplomo con el que Waller era capaz de tocar en todo tipo lugares, desde lo sacro hasta lo profano. Tocaba en servicios religiosos (presididos por su padre, pastor baptista), en el Lincoln Theater de Harlem, donde acompañaba películas mudas al piano, en fiestas de alquiler y cabarets o -literalmente- en cualquier lugar donde hubiese un piano.
Su impecable sonido pianístico y su seguridad técnica podrían incluso haber hecho de él un célebre concertista sinfónico. Pero estas importantes habilidades como instrumentista terminaron siendo eclipsadas por otros talentos suyos. Siendo aún adolescente, Waller inició su carrera como compositor, que daría como fruto un gran número composiciones de éxito, muchas de las cuales se han convertido en "standards" o clásicos del jazz, como "Ain't Misbehavin'", "Honeysuckle Rose", "Black And Blue", "Squeeze Me" y "Jitterbug Waltz", entre otras. Con el paso del tiempo, la capacidad de Waller para la comedia y su atractiva personalidad escénica añadirían fuerza a su carrera, abriéndole todo un abanico de nuevas oportunidades, aunque sólo viviría para hacer realidad algunas de ellas. 

La reputación de Waller en el mundo del jazz se basa principalmente en sus bulliciosas actuaciones y grabaciones; estas últimas abarcan unas seiscientas piezas publicadas en una veintena de años. En una euforia incesante, Waller hablaba, cantaba, bromeaba, jaleaba a los miembros de la banda y, casi como una idea de última hora, tocaba el piano. A veces estos discos memorables sonaban más como una fiesta que se estaba saliendo de control que como una sesión de grabación. En realidad se trataba de una música de fiesta destinada a aquellos que habían alcanzado la mayoría de edad bajo la ley seca: en esta época, las veladas de carácter más festivo tenían por definición un carácter ilícito. Waller tuvo la gran habilidad de representar el papel de Falstaff para esta generación, con sus guiños, sus alusiones a la tentación de los bares clandestinos, sus salidas sarcásticas y en general su insinuación de lo inmoral. Cierto es que en el jazz siempre había dominado una estética altanera que celebraba lo eterno en los aspectos más intensos del momento presente (como sólo cabría esperar en una forma de arte basada en la improvisación), pero pocos llevaron este enfoque a su extremo como Fats Waller. Y al público le encantaba. Con su porte cálido y seductor, Waller hacía que sus oyentes se sintieran como los invitados de honor de su fiesta, a quienes abría su mejor botella de vino, confiándoles sólo a ellos sus apartes más ingeniosos y sentándoles en primera fila para oír a la banda.
Aunque la obra de Waller en grupo cautivó al público, su obra como solista al piano, documentada en un puñado de grabaciones y rollos para pianola, sigue constituyendo su expresión más completa como músico de jazz. Las señas de identidad por excelencia del piano de stride -una briosa mano izquierda que alterna notas y acordes de bajo (oom-pah) unida a las figuras sincopadas de la mano derecha- constituyen los componentes básicos de su arte, pero Waller los adereza con un ingenio compositivo que los eleva por encima de sus contemporáneos. La obra Waller en solitario nos da muestra de su omnívoro apetito musical, que tan pronto recurre al blues como a la música clásica (que evoca, por ejemplo, en figuras en el registro superior de "African Ripples"), al boogie-woogie (óigase su ingeniosa interpolación en la primera frase de "Alligator Crawl") o a las raíces que el stride tiene en el ragtime.
En "Viper's Drag" Waller juega con el contraste entre un sombrío tema inicial en tonalidad menor y una rítmica y vivaz sección en modo mayor, un recurso que Ellington también empleó con frecuencia durante este mismo período en la creación de su propia versión del jazz de Harlem.
Al combinar su talento como pianista con su sentido del equilibrio compositivo, las piezas de Waller para piano destacan coma los documentos más desarrollados de la tradición del stride de Harlem.



Fats Waller
Chronological Classics · 1934 -1935

1 - Serenade For A Wealthy Widow
2 - How Can You Face Me?
3 - Sweetie Pie
4 - Mandy
5 - Let's Pretend There's A Moon
6 - You're Not The Only Oyster In The Stew
7 - Honeysuckle Rose
8 - Believe It, Beloved
9 - Dream Man (Make Me Dream Some More)
10 - I'm Growing Fonder Of You
11 - If It Isn't Love
12 - Breakin' The Ice
* 13 - African Ripples *
14 - Clothes Line Ballet
15 - Alligator Crawl
* 16 - Viper's Drag *
17 - I'm A Hundred Percent For You (vocal)
18 - I'm A Hundred Percent For You (instrumental)
19 - Baby Brown (vocal)
20 - Baby Brown (instrumental)
21 - Night Wind
22 - Because Of Once Upon A Time


History Of Jazz #115 - Fats Waller (II)

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W - Waller, Fats
The Joint Is Jumpin'
(7 de octubre, 1937)


Fats Waller
The Middle Years · Part  I
(1936-1938)

Mientras que en los años de 1930 y 1940 la mayoría de los restantes músicos de su generación gravitaron hacia las big bands, Waller cultivó otras ambiciones. Su actividad le llevó allá donde floreciese la industria del espectáculo, desde los teatros de Broadway hasta los estudios de Hollywood. Aun cuando limitaba su atención a la música, Waller buscaba incansablemente nuevos retos. En media docena de facetas musicales (coma pianista, organista, vocalista, compositor, director de banda y músico acompañante) dejó una impronta aún perceptible en el mundo del jazz y la música popular.
Sus éxitos de preguerra culminaron en 1938 con una gira europea que obtuvo excelente acogida. En Escocia, vestido con una falda escocesa con el tartán del clan Glengarry, deslumbró a su público coa una adaptación al stride de "Loch Lomond", saliendo diez veces a saludar al escenario. Al año siguiente volvió a Inglaterra, donde trabajó a gran escala, componiendo y grabando su London Suite, que incluía seis bocetos para piano. De vuelta a los Estados Unidos se prodigó en actuaciones y grabaciones, emprendiendo todo un abanico de nuevos proyectos. En 1943 Waller se las arregló para escribir la música de la obra escénica Early To Bed, realizar numerosas giras y viajar a Hollywood para coprotagonizar la película Stormy Weather (con Lena Horne, Cab Calloway y Bill "Bojangles" Robinson). El esfuerzo invertido en estas múltiples carreras pudo ser excesivo. El 15 de diciembre de 1943 Waller murió de neumonía en un viaje de regreso a Nueva York. En el momento de su muerte se encontraba en la cima de su popularidad. Es indudable que, de haber vivido suficientes años, Waller habría multiplicado sus incursiones en la radio y el cine y habría sido un talento nato para el medio televisivo. 

Para un hombre que grabó más de quinientas canciones en su vida, el pequeño acercamiento a su obra desde Quintaesencia parece mezquino. Pero ustedes saben... apenas si andamos buscando dentro de su discografía editada, aquellas ediciones que incluyen los temas sugeridos por Ted Gioia en el libro que nos ocupa esta serie.
El Fats Waller - The Middle Years • Part  I que se presenta aquí, cubre apenas un breve período, de 1936 a 1938, pero incluye una selección virtual de 70 composiciones inspiradas por la flor y nata de los compositores de la década de 1930 como Irving Berlin, Johnny Mercer, Sam Coslow, Ted Koehler, Harry Warren, James P. Johnson y Fred Coots -por nombrar tan sólo a unos pocos-, como así también algunos números olvidados de que Waller compuso con su compañero Andy Razaf.

En definitiva, una buena colección de baladas maravillosas hechas al mejor estilo inimitable de Fats Waller.

CD 1
1 - Havin' A Ball
2 - I'm Sorry I Made You Cry
3 - Who's Afraid Of Love?
4 - Please Keep Me In Your Dreams
5 - One In A Million
6 - Nero
7 - You're Laughing At Me
8 - I Can't Break The Habit Of You
9 - Did Anyone Ever Tell You?
10 - When Love Is Young
11 - The Meanest Thing You Ever Did Was Kiss Me
12. Cryin' Mood
13. Where Is The Sun?
14. Old Plantation
15 - To A Sweet Pretty Thing
16 - You've Been Reading My Mail
17 - Spring Cleaning
18 - You Showed Me The Way
19 - You Showed Me The Way (instrumental)
20 - Boo-Hoo (instrumental)
21 - The Love Bug Will Bite You (If You Don't Watch Out) (instrumental)
22 - San Anton'
23 - San Anton' (instrumental)
24 - I've Got A New Lease On Love
25 - I've Got A New Lease On Love (instrumental)

CD 2
1 - Sweet Heartache
2 - Sweet Heartache (instrumental)
3 - Honeysuckle Rose (instrumental)
4 - Smarty (You Know It All)
5 - Don't You Know Or Don't You Care
6 - Lost Love
7 - I'm Gonna Put You In Your Place
8 - Blue, Turning Grey Over You (instrumental)
9 - You've Got Me Under Your Thumb
10 - Beat It Out
11 - Our Love Was Meant To Be
12 - I'd Rather Call You Baby
13 - I'm Always In the Mood for You
14. She's Tall, She's Tan, She's Terrific
15 - You're My Dish
16 - More Power To You
17 - How Can I (With You In My Heart)?
* 18 - The Joint Is Jumpin' *
19 - A Hopeless Love Affair
20 - What Will I Do In The Morning?
21 - How Ya, Baby
22 - Jealous Of Me

CD 3
1 - Every Day's A Holiday
2 - Neglected
3 - My Window Faces The South
4 - Am I In Another World?
5 - Why Do Hawaiians Sing Aloha?
6 - My First Impression Of You
7 - On The Sunny Side of the Street
8 - Georgia On My Mind
9 - Something Tells Me
10 - I Love To Whistle
11 - You Went To My Head
12 - Florida Flo
13 - Lost And Found
14 - Don't Try To Cry Your Way Back To Me
15 - Marie
16 - In The Gloaming (instrumental)
17 - You Had An Ev'ning To Spare
18 - Let's Break The Good News
19 - Skrontch
20 - I Simply Adore You
21 - The Sheik Of Araby
22 - Hold My Hand
23 - Inside

Bill Barron - Todo el Savoy de William

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El listado de músicos que a lo largo de la historia del jazz se han considerado muy poco o nada valorados es, por desgracia, considerablemente larga. Dentro de esta lista hay un extraordinario músico que en la actualidad es muy poco reconocido y todavía menos valorado. Se trata del saxofonista Bill Barron (nacido en Filadelfia, Pennsylvania, como William Barron, Jr. un 27 de Marzo de 1927), hermano mayor del famoso y prestigioso Kenny Barron, uno de los más reconocidos y valorados pianistas en la historia del jazz.
Bill Barron también dirigió un taller de jazz en el Children's Museum de Brooklyn, enseñó en el City College de Nueva York, y se convirtió en el presidente del departamento de música en la Universidad de Wesleyan . Su colección está resguardada en la biblioteca del Instituto de Estudios Jazzísticos de la Universidad de Rutgers.
Murió en Middletown, Connecticut, el 21 de Setiembre de 1989.


Bill Barron - Quintet & Sextet

La discografía de Bill Barron fue como líder verdaderamente escasa y en la actualidad es difícil de encontrar, por lo que Bill Barron - Quintet & Sextet, permitirá al aficionado disfrutar de las diferentes facetas que despliega este músico, como son la de intérprete, compositor y arreglista. En este doble compacto se reúnen tres estupendos discos que llevó a cabo a principio de 1960 en el sello discográfico Savoy (realizó otra sesión para esta discográfica en el año 1972 que dio como fruto el disco Motivation). 
Estas grabaciones demuestran a la perfección el estilo musical que desarrolló Bill Barron, así mismo como su facilidad en la faceta como compositor. Los discos reeditados son: The Tenor Stylings of Bill Barron (grabado en el año 1961 y publicado por Savoy -Savoy MG 12160); Modern Windows-A Jazz Suite from the New "Soul" (grabado en 1961, Savoy MG-12163) y finalmente Hot Line (grabado en el año 1962, Savoy MG-12183).

Una de las características de estas grabaciones es la presencia de su hermano Kenny al piano, en aquel momento tan sólo ostentaba la temprana edad de dieciocho años, pero ya apuntaba una excelentes maneras, que con el tiempo se han visto confirmadas como el ilustre pianista que es en la actualidad. En su primera sesión para Savoy, The Tenor Stylings of Bill Barron, se hizo acompañar por músicos de la talla de Ted Curson, un maravilloso músico que grabó y tocó en numerosas ocasiones con Charles Mingus, al piano se encontraba Kenny Barron, Jimmy Garrison al contrabajo y así mismo secundado por un baterista muy ortodoxo en la forma de tocar su instrumento, Frank Dunlop (que recientemente se había incorporado al grupo de Thelonious Monk). La sesión es verdaderamente excelente, basada en su totalidad en un repertorio de temas originales del saxofonista, Bill Barron demuestra una técnica basada en la sencillez pero tremendamente apabullante y exhibiendo un discurso rico en ideas y sonoridades. Además demuestra haber escuchado perfectamente a músicos como Sonny Rollins y John Coltrane, pero alejándose de forma voluntaria de su forma de tocar. Su construcción es muy razonada a la hora de desarrollar los solos, con una sonoridad tranquila, con cierto lirismo controlado y sin espectacularidades o artificios innecesarios. Señalar la aportación de Ted Curson, un músico que saber mezclar en sus intervenciones de forma sabia elementos procedentes de la vanguardia y del clasicismo más ortodoxo. Temas como "Blast Off", "Ode To An Eath Girl" o "Nebulae" reflejan todo apuntado y muy en concreto una jazz extremadamente moderno. La presente edición incluye un tema adicional, "Desolation", que en su momento no apareció publicado en el LP original. 
Modern Windows-A Jazz Suite from the New "Soul" representa ser una interesante grabación, en donde los primeros cuatro temas son interpretados a modo de suite y de forma conjunta e ininterrumpida. La escucha de esta suite conlleva momentos de extremada musicalidad en el cambio de tempos, así como de una gran libertad interpretativa de todos los músicos, todo apoyado por una riqueza sonora gracias a la colaboración del saxo barítono de Jay Cameron. Por último, Hot Line es un registro en donde Bill Barron se enfrenta "musicalmente" al saxofonista Booker Ervin. La dificultad de la grabación vendrá para distinguir a ambos músicos (cada uno toca el saxo tenor), un auténtico tour de force de saxo tenores. Hot Line está conformado por temas originales de Bill Barron y algunos standards, entre ellos el famoso "Now´s The Time" de Charlie Parker, lo que permitirá de forma clara percibir el mano a mano que llevan a cabo Barron y Ervin. Así mismo, y al igual que ocurre con el primer LP, esta reedición incluye un tema adicional, "Billie´s Bounce", que tampoco fue publicado en el LP original. 

CD 1

 The Tenor Stylings of Bill Barron
(Savoy MG-12160)
Ted Curson (trompeta), Bill Barron (saxo tenor), Kenny Barron (piano), 
Jimmy Garrison (contrabajo), Frankie Dunlop (batería).
Medallion Studios, Newark, New Jersey, 2 de Febrero de 1961.

1 - Blast Off
2 - Ode To An Earth Girl
3. Fox Hunt
4 - Oriental Impressions
5. Back Lash
6 - Nebulae
7 - Desolation

 Modern Windows - A Jazz Suite from the New ‘Soul’
(Savoy MG-12163)
Ted Curson (trompeta), Bill Barron (saxo tenor), Kenny Barron (piano),
Jay Cameron (saxo barítono), Eddie Khan (contrabajo), Pete LaRoca (batería).
Medallion Studios, Newark, New Jersey, 5 de Junio de 1961.

08 - Men At Work 6:43
09 - Tone Colors 7:40
10 - Dedication To Wanda 4:09
11 - Keystone 6:22

CD 2

1 - Noodlin’
2 - Duality
3 - Self Portrait
4 - Persian Street Scene

 Hot Line
(Savoy MG-12183)
Bill Barron, Booker Ervin (saxos tenores), Kenny Barron (piano),
Larry Ridley (contrabajo), Andrew Cyrille (batería).
Medallion Studios, Newark, New Jersey, 31 de Marzo de 1962.

5 - Bill’s Boogie
6 - Groovin’
7 - Now’s The Time
8 - A Cool One
9 - Jelly Roll
10 - Playhouse March
11 - Work Song
12 - Billie’s Bounce

Para completar las grabaciones de Bill para Savoy, el sello fundado en 1942 por Herman Lubinsky, restaría Motivation, nunca editadas en formato de disco compacto y realizadas en 1972 junto a su hermano Kenny al piano, su buen amigo Chris White en contrabajo y Al Hicks en batería.
En estas grabaciones, su uso de armonías densas y melodías cromáticas envueltas en intensos torrentes de ritmos puede traer a la mente las sonoridades de Cecil Taylor o John Coltrane. Ello no debería sorprender teniendo en cuenta que Bill acompañó brevemente a Cecil en 1959 y fue compañero de cuarto de Coltrane en Filadelfia en la década de 1940, cuando ambos estaban empezando sus carreras. 



Bill Barron - Motivation

(Savoy MG-12303) 
Bill Barron (saxo tenor), Kenny Barron (piano), Chris White (contrabajo) Al Hicks (batería).
Nueva York, 1972

Lado 1
1 - Motivation
2 - Land of Sunshine
3 - Blues For R.A.

Lado 2
4 - Cosmos
5 - Hold Back Tomorrow
6 - Mental Vibrations

** FLASHBACK - Art Farmer **

Art Farmer - El primer septeto

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Art Farmer - The Art Farmer Septet

Quizá para muchos, un "nada-nuevo-bajo-el-sol"... pero teniendo en cuenta el anterior "Flashback" del blog, esta edición de la serie Original Jazz Classics cierra un buen círculo de sólidas grabaciones de Art Farmer, registradas en los primeros años de la década de 1950 y consideradas oficialmente como su debut discográfico como líder. Si bien más adelante adoptaría en fiscorno como instrumento habitual, en estas sesiones demuestra con creces su total dominio de la trompeta.

Recordando un poco... Art Farmer comenzó estudiando el violín y el piano antes de pasarse a la familia de los metales. En 1945, con dieciocho años se traslada a Los Ángeles integrando la legendaria banda de Johnny Otis, con quien tuvo la oportunidad de viajar a New York. En 1948 volvió a Los Ángeles y formó parte de las mejores bandas establecidas en la ciudad como las de Benny Carter y Wardell Gray. En 1953 viaja a Europa con la banda de Lionel Hampton, en la misma gira que viajaba Clifford Brown y Quincy Jones. De regreso a Nueva York estuvo un tiempo tocando con Teddy Charles y realiza estas grabaciones bajo su nombre.

La publicación "The Penguin Guide To Jazz", en su momento, consideró que estas grabaciones demostraron que el estilo de Farmer ya se había consolidado firmemente y revelaban un exquisito enfoque meditabundo en las baladas, un buen arsenal de recursos para los uptempos y un gran cuidado en la manipulación tonal.
El sitio especializado "The Allmusic Guide" fue más conciso: Una excelente muestra del temprano hard bop.

Con el célebre arte de tapa realizado por el dibujante Don Martin, el disco reúne los registros de dos fechas dedicadas a interpretar composiciones y arreglos de Quincy Jones y Gigi Gryce. Pero como había espacio para esta reedición, se agregó una final que originalmente formó parte de 2 Trumpets un encuentro discográfico con su colega Donald Byrd.


1 - Mau Mau
2 - Work of Art 
3 - The Little Bandmaster
4 - Up In Quincy's Room
Art Farmer (trompeta), Jimmy Cleveland (trombón), Cliff Solomon (saxo tenor), Oscar Estell (saxo barítono),  Quincy Jones (piano y percusión), Monk Montgomery (contrabajo), Sonny Johnson (batería).
Nueva York, 2 de julio de 1953

5 - Wildwood
6 - Evening in Paris
7 - Elephant Walk
8 - Tiajuana
Art Farmer (trompeta), Jimmy Cleveland (trombón), Charlie Rouse (saxo tenor), Danny Bank (saxo barítono), Horace Silver (piano), Percy Heath (contrabajo), Art Taylor (batería)
Hackensack, NJ,  7 de junio de 1954

9 - When Your Lover Has Gone
Art Farmer (trompeta), Barry Harris (piano), Doug Watkins (contrabajo), Art Taylor (batería)
Hackensack, NJ, 3 de Agosto de 1956


History Of Jazz #116 - Charlie Christian

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C- Christian, Charlie
Breakfast Feud
(15 de enero, 1941)
Solo Flight
(4 de marzo, 1941)
(con Benny Goodman)


Charlie Christian es una de las figuras clave en la historia de la guitarra y, por extensión, de la música contemporánea. Si bien su estilo marcó a posteriores guitarristas de jazz como Wes Montgomery, Herb Ellis o Kenny Burrell, su influencia no se limitó a los guitarristas sino que genios como Charlie Parker y Miles Davis reconocieron la ascendencia de Charlie Christian en sus carreras.
Charlie comenzó a ser reconocido en el circuito del jazz cuando entró en la orquesta de Benny Goodman, en Agosto de 1939, y es de esa etapa la selección discográfica recomendada por Gioia en el libro que nos ocupa. 
En sus páginas se nos ilustra:

Para muchos de sus contemporáneos, Christian debió de representar más una curiosa novedad que un precursor del jazz futuro. Para aquella generación la electricidad era un simple elemento práctico, relacionado con las farolas y los pararrayos, pero no con la interpretación musical. Como en el caso de Lionel Hampton y el vibráfono, puede que Christian no inventara el instrumento, pero destacó como uno de sus pioneros, jugando con el sonido amplificado en una época en que este tipo de tentativas tenían un notable carácter experimental. Pero la propugnación de la guitarra eléctrica sólo representa una mínima parte de la aportación de Christian al jazz. Su audacia para los saltos interválicos, sus vivaces tresillos, sus semicorcheas llenas de ritmo y su instinto para lanzarse sobre las alteraciones cromáticas más altas de cada armonía -obteniendo así la máxima emoción de estas notas disminuidas o aumentadas- habrían sido armas suficientes para hacer de Christian un maestro de cualquier instrumento.
Su influencia en los guitarristas posteriores es insoslayable. Si escuchamos el reducido número de grabaciones que dejó ("Seven Come Eleven", "Flying Home", "Breakfast Feud", así como las grabaciones no oficiales de sus sesiones con la primera generación del bop), oiremos un material melódico que sería imitado por gran cantidad de guitarristas posteriores, que a menudo copiarían del él frases enteras como si estos discos de 78 r.p.m. fuesen todo un canon en el mundo de las seis cuerdas. El primer gran intérprete de la guitarra eléctrica, Charlie Christian, también fue el más influyente.

Nacido en Dallas como Charles Henry Christian, el 29 de Julio de 1916, y criado en la zona más pobre de Oklahoma City, Christian contrastaba hondamente con los restantes músicos modernos (Powell y Sauter, Bartók y Copland) que tuvieron relación con Goodman. Lacónico, reservado y en buena medida autodidacta (el novelista Ralph Ellison, que creció junto al guitarrista, lo recordaba construyendo rústicos instrumentos de cuerda con cajas de puros habanos), el esbelto Christian habría pasado desapercibido de no haber poseído un talento estelar. "Es un palurdo increíble", se dice que fue la primera reacción de Goodman ante el guitarrista. John Hammond, que había oído hablar de Christian a la pianista Mary Lou Williams, se apresuró a acudir a Oklahoma City, donde lo encontró tocando en el Ritz Cafe por siete dólares y medio a la semana. Intermediario incansable, Hammond lo organizó todo para que Christian fuese a California en agosto de 1939 para conocer a Goodman. La resistencia inicial del clarinetista dio paso a una embelesada admiración tras casi una hora de improvisación en común sobre "Rose Room".
"No era la figura más impresionante del mundo", recordaba Goodman unos cuarenta años después. "Pero caramba, cuando se sentaba a tocar la guitarra era algo especial. Estaba muy adelantado a su tiempo: daba gusto escucharle".
Goodman le enroló de inmediato en su pequeño combo, convertido ahora en sexteto. En pocas semanas, Christian grabó algunos de sus solos más influyentes y tocó con Goodman en el Carnegie Hall. Los aficionados al jazz no tardaron en tomar nota de Christian, nombrándolo mejor guitarrista del año la encuesta de Down Beat de 1939, honor que volvería a recibir en 1940 y 1941. 
Pero para entonces su carrera, que apenas acababa de comenzar, estaba a punto de terminar. En la primavera de 1940 se le diagnosticó una tuberculosis. Aunque le habían recomendado que redujera su actividad, a Christian le costaba dejar pasar el número cada vez mayor de oportunidades artísticas que tenía a su disposición. Además de su trabajo en el combo de Goodman, también comenzó a tocar con la big hand, y a menudo asistía a las jam sessions que se celebraban en el Minton's Playhouse, un local de Harlem en el que el estilo bebop estaba siendo creado por un grupo de músicos de vanguardia.
Pero estas largas horas de actividad (con sesiones que a menudo se prolongaban hasta las cuatro de la madrugada), unidas a los excesos, hicieron que se agravase la salud del guitarrista. En julio de 1941 Christian ingresó en el Seaview Sanitarium de Staten Island, su salud siguió siendo precaria.
El 3 de marzo de 1942 murió de neumonía. 


Charlie Christian - Solo Flight
The Genius Of Charlie Christian

LP 1

1 - Rose Room
2 - Memories Of You
3 - Seven Come Eleven
4 - Honeysuckle Rose
5 - All Star Strut
6 - Till Tom Special
7 - Gone With "What" Wind
8 - I Got Rhythm
9 - Stardust
10 - Tea For Two
11 - Boy Meets Goy
12 - Six Appeal
13 - Good Enough To Keep (Air Mail Special)
14 - Wholly Cats

LP 2

1 - Wholly Cats
2 - As Long As I Live
3 - Benny's Bugle
4 - Royal Garden Blues
5 - Breakfast Feud
6 - I Can't Give You Anything But Love (Baby)
7 - Gilly
* 8 - Breakfast Feud *
9 - On The Alamo
10 - I've Found A New Baby
 * 11 - Solo Flight *
12 - Blues In B
13 - Waitin' For Benny
14 - Good Enough To Keep (Air Mail Special)

Bill Evans - Una nueva maravilla

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 Bill Evans - At Newport 1967 & 1976

Otra vez Bill Evans vino a sorprendernos este año...
Esta espléndida edición del sello Oceanic Records presenta dos magníficas actuaciones del gran pianista, hasta ahora nunca publicadas en formato disco. Ambas ocurrieron en el Festival de Jazz de Newport.

Una, del 2 de Julio de 1967, contó con el respaldo de Eddie Gomez en contrabajo y Philly Joe Jones en batería... una de las pocas actuaciones del baterista con Bill. La "nueva edición de la Bill Evans Trio", como lo anunció el maestro de ceremonias, nada menos que el maestro Billy Taylor, alcanza aquí rangos de excelencia.

La otra, la de 1976, grabada en Carnegie Hall de Nueva York, pertenece al primer set del espectáculo que llevaba como título "An Evening with Tony Bennett". El programa incluía la primera vuelta presentada en esta grabación -con Bill Evans secundado por Eddie Gomez en contrabajo y Eliot Zigmund en batería-, y una segunda vuelta con Tonny Bennet recreando algunas de las piezas que habían conformado el célebre Together Again tres meses antes, más una docena de clásicos acompañado por una gran orquesta.

Cuenta Peter Pettinger, autor de "Vida y Música de Bill Evans", que la segunda vuelta se vio sorprendida por alguien de la platea que se puso de pie y gritó: "Se supone que esto es un festival de jazz! Que vuelva Bill Evans!"
Este magnífico documento explica con razón la exigencia del aquel oyente...


Bill Evans (piano),Eddie Gomez (contrabajo), Philly Joe Jones (batería)
Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island, 2 de Julio de 1967

1 - Introduction By Billy Taylor
2 - Nardis
3 -  Very Early
4 - Some Other Time
5 - Who Can I Turn To?
6 - I'm Gettin' Sentimental Over You
7 - Closing Announcement By Billy Taylor

Bill Evans (piano), Eddie Gomez (contrabajo), Eliot Zigmund (batería), Tony Bennett (voz)
Newport Jazz Festival - In New York, Carnegie Hall, Nueva York, 25 de Junio de 1976

8 - Introduction By Tony Bennett
9 - Sugar Plum
10 - Up With The Lark
11 - T.T.T. (Twelve Tone Tune)
12 - Someday My Prince Will Come
13 - Minha (All Mine)
14 - In Your Own Sweet Way
15 - My Foolish Heart (con Tony Bennett)


Por estas latitudes llegó el verano y con él mis vacaciones...
Como cada fin de año, es el momento de tomar una pausa y recargar neuronas desde estas playas montevideanas... un poco de aire libre hasta febrero no vendrá mal...

A todos ustedes, mis más sinceros deseos de un venturoso año nuevo

Feliz 2015!

Bill Evans Trio - Lund 1975 & Helsinki 1970

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Bill Evans
>Lund 1975    >Helsinki 1970

Antes que nada, muchas gracias al amable Héctor (Blbs) por invitarme... y ahora, al grano!

Este CD abre con un hallazgo verdaderamente raro: Toda la música de un film realizado en 1970 en la casa del compositor finés Ilkka Kuusisto (cuyos dos hijos son hoy famosos violinistas), cuando el trío de Bill Evans lo visitó. El trío, que incluía a Eddie Gómez en bajo y a Marty Morell en batería, tocó tres temas completos allí. El piano de cola era completamente nuevo, y a Evans le gustó; Bill le dio a Ilkka el LP At the Montreux Jazz Festival como regalo. Entre los presentes estaban algunos miembros de la comunidad finesa de jazz, incluyendo al vibrafonista Jukka Haavisto (quien aún hoy se mantiene activo). En este ambiente íntimo, el usualmente tímido Evans se relajó un poco, especialmente en la última canción, Nardis, de Miles Davis. La fecha exacta se desconoce, y algunos discógrafos afirman que fue hacia fines de 1969. Este trío estuvo en Pescara, Italia, en julio de ese año; en noviembre estuvieron en Dinamarca y Holanda; y de nuevo en junio de 1970, de manera que todas estas posibilidades quedan abiertas. Evans viajaba mucho.

El resto del programa consiste en un concierto en Lund, Suecia, 1975. Marty Morell había dejado el trío ese año - su última actuación grabada junto al trío fue en Epalinges, Suiza, el 6 de febrero; este concierto sueco, grabado el 22 de febrero, ha sido una de las primeras grabaciones del trio con el nuevo baterista Eliot Zigmund (jazzdisco.org anota una en Laren, Holanda, el 13 de ese mes, editada como The Sesjun Radio Shows). Zigmund permanecería con el trío hasta fines de 1978.
 La primera parte de este concierto (temas 4 al 7) sólo incluye al trío. En la segunda parte (temas 8 al 13) se incorpora la cantante sueca Monica Zetterlund, que había grabado junto a Evans en 1964 un espléndido disco. Monica, que trabajó con muchos reconocidos músicos de jazz, expresó más de una vez su opinión de que aquél disco había sido el mejor de su carrera. Vale la pena mencionar que Bill trabajó raramente con cantantes; aparte de estas canciones con Monica, sólo se conocen sus grabaciones con Lucy Reed, en 1957; y aquellos magníficos dos discos con Tony Bennett, de 1975.


1 - Emily
2 - Alfie
3 - Nardis
4 - Sugar Plum
5 - Sareen Jurer
6 - Very Early
7 - Gloria's Step
8 - Come Rain or Come Shine
9 - What's New
10 - It Could Happen to You
11 - Once Upon a Summertime
12 - The Second Time Around
13 - Samba

1 - 3: Bill Evans, piano - Eddie Gómez, bajo - Marty Morell, batería
Casa de Ilkka Kuusisto, Lauttsaari, Helsinki, Finlandia, 1970
4 - 13: Bill evans, piano - Eddie Gómez, bajo - Eliot Zigmund, batería
Monica Zetterlund, canto en 8 a 13
Konsthallen, Lund, Suecia - 22 de febrero de 1975

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Enrique "Mono" Villegas - Baladas de Amor

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Enrique "Mono" Villegas
Baladas de Amor · 1968

Enrique “Mono” Villegas (Buenos Aires, Argentina, 3 de agosto de 1913 – 11 de julio de 1986) fue un pianista argentino de jazz. Nació en Buenos Aires. Casualmente en la misma manzana que Adolfo Ábalos (1914-2008, pianista folclórico) y Aníbal Troilo (bandoneonista de tango, 1914-1975)

Fue un privilegio haberlo escuchado en concierto un par de veces. Y a su manera, en esta presentación de uno de sus discos, no hablamos casi nada de jazz, sino que divagamos enormemente. . . usando como materia prima, claro, sus propios dichos.

Fue, además de un pianista notable, un gran conversador. Soltero empedernido, cinéfilo voraz, irónico, su personaje casi supera al músico. Aquí, rastros de la gran leyenda del jazz argentino:
“A veces la gente me pide que cuente mi biografía. Yo siempre respondo: mi biografía termina a los siete años. A esa edad yo aprendí a tocar el piano. Y tocar el piano fue lo único que hice el resto de mi vida". 

Enrique Villegas fundó alrededor de su figura una mitología poderosa. Además del piano, sus armas fueron la agudeza conceptual, el talento para la ironía y una forma de vida por lo menos pintoresca. Nació en Agüero y Charcas, hijo de Enrique Ulises (otro personaje: dentista, escribano, abogado y organizador de riñas de gallos) y de Helena Reybaud. "Mi mamá murió cuando yo tenía seis meses. Parece que la única función que cumplió en su vida fue tenerme a mí. Prácticamente no tuve padres. Me criaron unas tías condescendientes que jamás me obligaron a nada. Tuve suerte: hice lo que se me dio la gana toda mi vida". 

A los 7 años, entonces, recibió la primera lección de piano. Dos semanas más tarde tocaba Mozart correctamente e iba al Conservatorio Williams. "No me gustaba estudiar. Igual tuve que ir al colegio. Iba al Nacional Mariano Acosta, pero en cuarto año quedé libre por la cantidad de faltas. Me hacía la rabona pero no para ir al bar a jugar al billar. Me escapaba para volver al conservatorio". 
Trabó amistad con Macedonio Fernández, con quien compartía el placer de la charla metafísica, la lectura y la holgazanería. Rara vez se levantaba antes de las tres de la tarde. "Sigo un precepto hindú: si puedes estar sentado, no estés parado; si puedes estar acostado, no estés sentado", repetía entre la sentencia y el sarcasmo. A la noche, si no tocaba, iba al cine. Tenía fobias menores: odiaba las berenjenas, las masitas de coco y el tomate. Y un carácter más que enamoradizo: le encantaban las mujeres. Por eso murió soltero.

En 1935 ganó su primer dinero con la música tocando con Eduardo Armani en el Alvear Palace Hotel. Antes había hecho en el Odeón el Concierto en Sol de Maurice Ravel. Después se empleó como músico de Radio El Mundo. Lo echaron cuando, anticipándose de alguna manera a una demasiado famosa frase de John Lennon, declaró que la muerte de Ravel era más importante que la muerte del Papa. 

Se puso a escuchar y a tocar obsesivamente jazz. En 1955, invitado por el sello Columbia, se radicó en los Estados Unidos. Se quedó ocho años. Grabó con el contrabajista Milt Hilton y el baterista Cozy Cole y finalmente huyó despavorido de la compañía cuando le pidieron que grabara un disco de boleros.    (continuará)

1 - I'm In the Mood for Love
2 - I You Knew Susie
3 - Love Walked In
4 - Lover Come Back to Me
5 - Easy to Love
6 - Some Enchanted Evening
7 - Reverie
8 - Love Letters
9 - Blue Orchids

Enrique "Mono" Villegas, piano · Jorge López Ruiz, contrabajo

Grabado en Estudios Ion, Buenos Aires, el 14 de Noviembre de 1968
Productor: Alfredo Radoszynski

Trova TL 29 · flac + scans

aclaración:  los escaneos son de mi LP; la música proviene de CD por razones de mejor calidad. 

Enrique "Mono" Villegas - Tributo a Jerome Kern - 1977

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(continuación)
Quedó varado en Manhattan, pero no se hizo demasiado problema. Descubrió lo caro que podía ser Nueva York y se la pasaba yendo al cine, cenando café con leche con pan con manteca y escuchando jazz. "Sufrí bastante en Nueva York —contaba—. Pero con el tiempo la aprendí a querer. Conocí a todos los genios: Duke Ellington, Cole Porter, Count Basie, Louis Armstrong, Coleman Hawkins. Y me di cuenta de que, aún en los Estados Unidos, el jazz no es popular ni mucho menos".
En Nueva York tuvo un intento de suicidio, uno de los episodios más desopilantes que atraviesa el nutrido anecdotario del Mono Villegas. "Yo estaba muy enamorado de una chica, pero un día discutimos y decidimos separarnos. Me deprimí. Iba caminando con ella y pensé: cuando pase el primer auto me tiro abajo. Vino un auto y me tiré, pero en ese preciso momento se prendió la luz roja y el coche frenó. Era un taxi. ¿Qué hizo la mujer? Se lo tomó y se fue. Un tiempo después hablamos por teléfono y le dije: Si me querés ver hoy te va a costar 35 centavos (que era lo que costaba el boleto del colectivo). Si me querés ver mañana te va a costar 850 dólares (lo que costaba un pasaje de avión a Buenos Aires). Por supuesto a los dos días estaba en la Argentina, sin ella. Nunca más la volví a ver."
En Buenos Aires comprobó que los cines eran exactamente iguales a los de Nueva York, pero con entrada más barata. Comprobó también que su fama había crecido, extrañamente. "Ahora los muchachos creen que soy Beethoven", se reía. Lo rodeaban músicos jóvenes, encandilados por su aura. Su departamento era el eje de reuniones en las que se filosofaba, se bebía y se tocaba hasta altas horas. Villegas no fumaba ni bebía. Era un anfitrión encantador pese a que, dicen, cuando estaba corto de dinero cobraba las bebidas que ofrecía.
En 1966 abrió un boliche en Viamonte entre Talcahuano y Uruguay, Villegas y sus amigos. Tocaba, puntualmente, entre la una y media y las tres de la mañana. Lo clausuraron al poco tiempo por ruidos molestos.
    (continuará)

Lado 1 - Temas de la Comedia Musical Showboat, de J. Kern y Oscar Hammerstein II:

a) Bill
b) Why do I Love You
c) Make Believe
d) You Are Love
e) Ol' Man River
f) Can't Help Lovin' Dat Man

Lado 2:

1 - Dearly Beloved
2 - The Way You Look Tonight
3 - Long Ago and Far Away
4 - A Fine Romance

Enrique "Mono" Villegas, piano - Oscar Alem, contrabajo      Osvaldo López, batería

Producción: Alfredo Radoszynski
Grabado en Buenos Aires, en Estudios Ion, el 27 de enero de 1977
LP Aleluya Records AR-17000



Preparando la vuelta...

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Ahí va apareciendo el nuevo año... 

Y aquí estamos... buscando a media máquina aún la manera de retomar la serie que dejamos inconclusa, no sin ganas irresponsables de superponer otra del mismo autor simultáneamente, planeando salirnos del libreto más de un cuando en vez.... En fin, retomar el caos organizado que siempre supone el jazz...

Vayan llevando, al menos, algunas cosas que me acompañaron en las vacaciones que se han terminado... 

¿Que va todo sin guión? ¿Sin información decorativa? 

Y si... sepan comprender... cuesta vencer la inercia... 

Aquí vamos otra vez...







Enrique "Mono" Villegas - Porgy and Bess - 1968

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Lado A:

Introducción
Summertime
My Man's Gone Now
Oh, I Got Plenty O' Nuttin'
Bess, You is my Woman Now
It Ain't Necessarily So
There's a Boat Dat's Leavin' Soon for New York
Bess, Oh Where's My Bess
Oh Lawd, I'm on My Way

Lado B:

Introducción
Summertime
My Man's Gone Now
Oh, I Got Plenty O' Nuttin'
Bess, You is My Woman Now
It Ain't Necessarily So
I Wants to Stay here
There's a Boat Dat's Leavin' Soon for New York
Bess, Oh Where's My Bess
Oh Lawd, I'm on My Way

(continuación)  "El jazz argentino no existe —comentaba—. Hay músicos argentinos que hacen jazz. Es así. Por otra parte, yo no me considero pianista de jazz. Soy pianista a secas. El jazz es improvisación total: en cuanto se escribe, deja de ser jazz. Es lo que hizo Picasso con Las meninas de Diego Velázquez: partió de un tema para expresarse libremente. Eso es el jazz".
Se quejaba de que no había buenos pianos en la Argentina. Cuando tenía que dar un concierto en malas condiciones, charlaba la mayor parte del tiempo y apenas tocaba un par de piezas. Su obsesión con el tema era tal que, aún hoy, algunos músicos repiten Al gran pueblo argentino: ¡pianos!, frase acuñada por Villegas que, incluso, fue el título de un disco que registró un concierto de 1964 con el contrabajista Jorge López Ruiz y y el baterista Eduardo Casalla. También era intolerante con los públicos bulliciosos y con el mal sonido.
Sabiamente, se mostraba cauto y sarcástico con su propia fama. "Yo no me hice famoso con la música; me hice famoso con los reportajes. Camino por Corrientes y todos me saludan ¡chau Mono! y se comentan entre sí: ese que va ahí es el mejor pianista de la Argentina. Y seguro nunca me escucharon tocar", decía sin amargura.
Los últimos años los pasó tocando en La Peluquería de San Telmo con un orgullo casi secreto: "Estoy llegando al fin y jamás me prostituí con la música". Era agnóstico pero tenía gran curiosidad con la muerte. "De alguna manera, la espero", decía. Llegó hace casi treinta años, mansamente. Desde entonces, como escribió alguien por ahí, "descansa en jazz".



 Enrique "Mono" Villegas con el amigo "Pelusa" Rímini, en Rosario, Argentina, 1973

Extractos de las notas de contratapa, a cargo de Oscar López Ruiz, músico y director de grabación - y hermano de Jorge, el contrabajista:

"Hace unos meses se abrió la puerta de nuestra oficina y entró una aplanadora, disfrazada de Villegas, que nos venía a contar que tenía que grabar Porgy and Bess. Habló una hora, nos contó todo lo que pensaba hacer con esta obra, y se fue.
.... muchos días después apareció otra vez y gritó furiosamente que ya estaba listo y que lo iba a hacer con contrabajo el viernes 15 de noviembre a las 20 hs. en Estudios Ion, y que le hiciéramos transportar su piano porque si no no grababa, y se fue.
... el famoso viernes apareció, como siempre una hora antes por el estudio y sin el contrabajista, ya que había decidido hacerlo solo. A las 20:30 comenzamos a grabar y a las 22:30 había terminado. Se cambió su increíble remera de grabar y se fue. Pero esta vez no a su casa sino que a Estados Unidos.
  A través de esta semblanza Ud seguramente pensará que Enrique está rayado.
   Afortunadamente, sí, está rayado...."

     Grabado el 15 de Noviembre de 1968 en Estudios Ion, Buenos Aires
     Producción: Alfredo Radoszynski
       Digitalizado de mi propio LP Trova TL-19  (monaural)    flac + scans

Lin Halliday - La memoria de un instante

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Escribió Bob Koester, factótum del sello Delmark, que Lin Halliday vivió una vida de jazz "à la Bix". Quizá exagere, como mínimo porque consiguió llegar a los sesenta y cuatro años, pero es cierto que la existencia de Halliday fue la que muchos esperaban de un músico de jazz: noche, bohemia, alcohol, droga.
Hubo quienes respondieron de manera casi militante. Pero esa es otra historia. 
La de Halliday empieza un 16 de junio de 1936 en De Queen, un pueblecito perdido de Arkansas. La familia pronto se traslada a Little Rock, y allí, en el instituto, Lin empieza a estudiar saxo y clarinete. Pocos años después lo encontramos en Los Ángeles, tocando en clubes y compartiendo jams con otro saxofonista, Joe Maini, gran animador de la noche angelina a mediados de la década de 1950.  Al cabo de un tiempo se traslada a Wisconsin, ignorándose cómo se ganaba la vida, ya que no se trata de un lugar donde abundaran los clubes de jazz; en cualquier caso, se sabe que se concentró en el estudio de su instrumento.
Para entonces, la heroína ya debe de haber entrado en su vida. Una noche, en un club de Cincinnati, conoce a Virginia McEwan, y juntos deciden partir hacia Nueva York. Allí consigue trabajo en el Birdland como reemplazante de Wayne Shorter en la orquesta de Maynard Ferguson.

A comienzos de l960 integró las formaciones de Louie Bellson y Philly Joe Jones y participó en cuanta jam se le pone a tiro, generalmente en compañía de Sonny Clark, de quien se hizo gran amigo y con el que compartió un loft de la Sexta Avenida en compañía de Virginia. Gracias a ella se sabe que Lin y Sonny empleaban la mayor parte del tiempo en intentar conseguir droga, que Lin empeñó su saxo infinitas veces, que lo perdió al menos una, que estuvo en la cárcel, que cada vez menos músicos querían tocar con él por sus súbitos ataques de pánico sobre el escenario, síndrome que se repetirá a lo largo de su carrera, en ocasiones incluso en el estudio de grabación. Como consecuencia de todo ello, pierde la licencia para tocar en los clubes de Nueva York, y se ve obligado a emigrar.
Aquí comienza otro duro y penoso periodo para Lin Halliday. Tras probar suerte, con ínfimos resultados, en Arkansas y California, en 1966 se traslada a Nashville (en algún momento se había casado y había sido padre de una niña), donde se establece como músico de estudio y toca en diversos clubes de la ciudad. Esta aparente estabilidad comienza a resquebrajarse cuando hacia 1978 sufre serios problemas en las rodillas que lo obligan a guardar cama por largos periodos. Por otra parte, hacia finales de la década su esposa muere, y Lin decide, en 1980, establecerse en Chicago. Allí comienza a tocar en el "Get Me High", un pequeño bar del que poco a poco se convierte en principal atracción, y, más tarde, con el quinteto del trompetista Brad Goode. Su nombre comienza a correr de boca en boca entre los aficionados, y Lin pronto es contratado por los principales clubes de la ciudad, entre ellos el "Green Mill" de Dave Jemillo -toda una institución de la escena jazzística local por entonces-, el "Bop Shop", el "Joe Segal’s Jazz Showcase" o el "Deja Vu",  cuyas jams de los martes contribuyeron a acrecentar su leyenda. Y fue quizás a una de esas jams a la que acudió Bob Koester, fundador y factótum del sello Delmark, la principal casa discográfica de Chicago. Bob queda fascinado con lo que oía y lo convoca para integrar la grilla de sus artistas.

La primera grabación tuvo lugar en 1988, junto al quinteto del trompetista Brad Goode (Shock of the New ), pero accidentada debido a sus ataques de pánico. Cuando llegaba el turno de sus solos, Lin se paralizaba y de nada valían los ánimos que intentan infundirle sus compañeros: del saxo no salía sonido alguno... o se alejaba demasiado del micrófono... o se acercaba en exceso... o se distraía con cualquier tontería. Pero estos accesos como aparecían se iban, y entonces Lin era capaz de dar lo mejor de sí y transformarse en "un músico meticuloso, con un profundo conocimiento de las estructuras armónicas y un improvisador imaginativo", en palabras del crítico Lloyd Sachs. 
Tal vez por eso Koester siguió confiando en él y lo convocó cuatro veces más, tres para acompañar al trompetista Ira Sullivan (Delayed Exposure, East of the Sun y Where or When) y una más junto al saxofonista Eric Alexander (Stablemates).
Sin embargo, en todos los casos, debe hacerse notar que la atracción principal era Halliday, o parecía serlo, incluso con un músico tan asentado en la escena chicaguense como Sullivan. De hecho, si el primero de los mencionados registros lleva por subtítulo Ira Sullivan Presents Lin Halliday, los otros dos se anunciaron como Lin Halliday with Ira Sullivan. Ello quizá hable a las claras de la importancia que se le daba al arte de Halliday.

La grabación preferida de Halliday, sin embargo, y que a la postre se convertiría en el único disco exclusivamente a su nombre, fue Airegin, que tuvo lugar el 30 de septiembre de 1988 en el estudio casero del saxofonista Mike Smith, a instancias del baterista Tom Kronquist. Completaron el cuarteto el infravalorado pianista Jodie Christian y Dennis Carroll en el contrabajo. Aquellos críticos que despachan el lenguaje de Lin como un remedo de Sonny Rollins, deberían escuchar con atención este disco. La influencia de éste existe, es indudable, pero también la de Coleman Hawkins (tamizada por aquél), la de Lester Young (en las baladas) y la del primer John Coltrane, especialmente en los registros altos (lo que de algún modo es lo mismo que decir de Dexter Gordon).
Sin embargo, la musculatura del sonido, flexible y poderosa a un tiempo, le pertenece por entero, y ello a pesar de que casi no tenía dientes en el momento de grabar todos los discos mencionados.
En Airegin, Lin demuestra su dominio de los arcanos del blues, su querencia por el hard bop ortodoxo, su sentimentalismo pero también su sensibilidad, y aunque es probable que la profundidad de los sentimientos que transmite nos haga olvidar cierta “tendencia a las elecciones obvias”, standards canónicos como "Cherokee", "My Foolish Heart" o "Sophisticated Lady" harán las delicias de cualquier amante del tenor y el jazz mainstream, e incluso la de aficionados más díscolos.

Airegin fue distribuido en forma de cinta por Tom Kronquist en conciertos y clubes de jazz.  Cuando en 1991 Lin comienza su relación con Delmark, una de las primeras cosas que hace es pedirle a Koester que lo publique. Koester tardará nueve años en decidirse a hacerlo, a finales de 2000. Halliday no llegará a verlo: fallecerá el 25 de enero de ese mismo año. Acostumbrado a las derrotas, no debió de darle mayor importancia al hecho.


Lin Halliday - Airgin

1 - Airegin
2 - Sophisticated Lady
3 - With A Song In My Heart
4 - Softly As In A Morning Sunrise
5 - My Foolish Heart
6 - Hello Young Lovers
7 - Love Letters
8 - Cherokee

*** TRES RAZONES ***

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* Mister Blogger ha vuelto a censurar una de las entradas por atentar contra "derechos de autor".

** Algunos enlaces han sido descargados más de cien veces, pero no ha habido ningún comentario de los anónimos descargantes.

*** Este 2015 exigirá a este mortal una concentración extrema en su trabajo particular.


Conclusión:

 Quintaesencia entra "en sueño" por tiempo indeterminado.

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Premios II - Miles Davis legal otra vez

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Miles Davis
Miles Davis At Newport 1955-1975
The Bootleg Series (Vol. 4)

La Asociación Nacional para el Progreso de las Personas de Color conocida por sus siglas NAACP (National Association for the Advancement of Colored People) fue fundada el 12 de febrero de 1909 por un grupo de activistas multirraciales estadounidense que respondían al nombre de "The Call" (La Llamada). Inicialmente se llamaron a sí mismos National Negro Committee (Comité Nacional Negro), cambiando su nombre en el segundo congreso celebrado en mayo de 1910.
En su carta de principios se da a conocer su misión:
"Promover la igualdad de derechos y para erradicar los prejuicios de casta y raza entre los ciudadanos de Estados Unidos. Para avanzar el interés de los ciudadanos de color, para asegurarles un sufragio imparcial, y aumentar sus oportunidades para asegurar la justicia en los tribunales, educación para los niños, empleo según su capacidad y completa igualdad ante la ley".

La organización cuenta con diferentes departamentos de acción como el departamento legal, el cual se dedica a casos judiciales referentes a minorías, discriminación en el trabajo, el gobierno o la educación. La oficina de Washington D.C. se ocupa de proponer leyes al Gobierno de Estados Unidos, y al Departamento de Educación del mismo para mejorar la educación pública a nivel local, estatal y federal.

Como le gusta a la sociedad actual (norteamericana o  no), la  NAACP nomina anualmente a distintas expresiones culturales en las que hayan participado artistas negros a fin de premiarlas en forma especial... desde literatura al cine, pasando por series televisivas, libros y música. 
En su más reciente edición, celebrada el pasado 5 de febrero, en la categoría "Outstanding Jazz Album", estaban nominados:
el trompetista Terell Stafford por su obra BrotherLEE Love: Celebrating Lee Morgan, la cantante Dee Dee Bridgewater por su trabajo en conjunto con el trompetista Irvin Mayfield y la New Orleans Jazz Orchestra por la obra Dee Dee's Feathers, el saxofonista Kamasi Washington por su disco The Epic, Octave Music Publishing Corporation por la edición The Complete Concert By The Sea del pianista Erroll Garner y la que se llevó el galardón: Miles Davis At Newport 1955-1975 • The Bootleg Series, Volume 4, que contiene esta entrada.
En esta oportunidad, los responsables del archivo de Miles Davis han decidido tomar un camino distinto de los tres opus anteriores en los que se reunían varios conciertos de una misma gira. En este último lanzamiento recopila ocho actuaciones en el mítico festival de Newport que abarcan dos décadas en la carrera del trompetista. 
Se compila aquí una suerte de magia atesorada en cuatro discos compactos, que bien podrían funcionar como la retrospectiva definitiva de Miles en directo. Las mil y un facetas del trompetista están reflejadas aquí: desde el mítico solo de "'Round Midnight" en la edición del festival de 1955, que le valió un contrato con Columbia Records, hasta la gloriosa cacofonía intergaláctica de la demencial banda de Agharta en sendos sets de 1973 y 1975, pasando por los conmovedores diálogos instrumentales entre Miles, John Coltrane y Bill Evans en el show de 1958, el frenético concierto de 1971 en plena transición entre el jazz rock de Bitches Brew y la deconstrucción del funk en On The Corner, y dos shows completos del mítico Segundo Gran Quinteto con Herbie Hancock, Wayne Shorter, Ron Carter y Tony Williams, que a día de hoy muchos siguen considerando el mejor grupo de jazz de la historia.
Una recomendable obra recopilatoria de la compañía Columbia, que por cuarta vez legaliza un oxímoron... hacer oficial una obra que desde el título (bootleg) dice que no lo es. 
¿Acaso importa? No creo... tan sólo salen a la luz, grabaciones que hasta ahora circulaban por allí en forma "pirata"

CD 1
1 - Spoken Introductions By Duke Ellington and Gerry Mulligan
2 - Hackensack
3 - 'Round Midnight
4 - Now's The Time
5 - Spoken Introduction By Willis Conover
6 - Ah-Leu-Cha
7 - Straight, No Chaser
8 - Fran-Dance
9 - Two Bass Hit
10 - Bye Bye Blackbird
11 - The Theme

Miles Davis (trompeta), Zoot Sims (saxo tenor), Gerry Mulligan (saxo barítono), Thelonious Monk (piano), Percy Heath (contrabajo), Connie Kay (batería).
Newport Jazz Festival, Newport,  Rhode Island, 17 de Julio de 1955

Miles Davis (trompeta), Cannonball Adderley (saxo alto), John Coltrane (saxo tenor), Bill Evans (piano), Paul Chambers (contrabajo), Jimmy Cobb (batería). 
Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island, 3 de Julio de 1958.

CD 2
1 - Gingerbread Boy
2 - All Blues
3 - Stella By Starlight
4 - R.J.
5 - Seven Steps To Heaven
6 - The Theme / Closing Announcement By Leonard Feather
7 - Spoken Introduction By Del Shields
8 - Gingerbread Boy
9 - Footprints
10 - 'Round Midnight
11 - So What
12 - The Theme / Closing Announcement By Del Shields

Miles Davis (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Herbie Hancock (piano), Ron Carter (contrabajo), Tony Williams (batería).
Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island, 4 de Julio de 1966
Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island, 2 de Julio de 1967

CD 3
1 - Miles Runs The Voodoo Down
2 - Sanctuary
3 - It's About That Time / The Theme
4 - Spoken Introduction By Ronnie Scott / Band Warming Up
5 - Turnaroundphrase
6 - Tune In 5
7 - Ife
8 - Untitled Original
9 - Tune In 5 / Closing Announcement By Ronnie Scott
10 - Mtume

Miles Davis (trompeta), Chick Corea (piano eléctrico), Dave Holland (contrabajo), Jack DeJohnette (batería).
Newport Jazz Festival, Newport, Rhode Island, 5 de Julio de 1969

Miles Davis (trompeta), Dave Liebman (saxo soprano, saxo tenor, flauta), Pete Cosey (guitarra, percusión), Reggie Lucas (guitarra), Michael Henderson (bajo eléctrico), Al Foster (batería), James Mtume Forman (percusión).
Newport Jazz Festival en Europa, Berlín, Alemania, 1 de Noviembre de 1973.

Miles Davis (trompeta, órgano), Sam Morrison (saxo tenor), Pete Cosey (guitarra, percusión), Reggie Lucas (guitarra), Michael Henderson (abajo eléctrico), Al Foster (batería), James Mtume Forman (percusión).
Newport Jazz Festival, Nueva York, Avery Fisher Hall, 1 de Julio de 1975.

CD 4
1 - Directions
2 - What I Say
3 - Sanctuary
4 - It's About That Time
5 - Bitches Brew
6 - Funky Tonk
7 - Sanctuary

Miles Davis (trompeta), Gary Bartz (saxo soprano, saxo alto), Keith Jarrett (piano eléctrico, órgano), Michael Henderson (bajo eléctrico), Ndugu Leon Chancler (batería), Don Alias (percusión), James Mtume Forman (percusión).
Newport Jazz Festival en Europe, Neue Stadthalle, Dietikon, Suiza, 22 de Octubre de 1971.

Asuntos pendientes I - Charles Mingus

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Charles Mingus
Mingus Ah Um

Charles Mingus fue uno de esos distinguidos jazzmen a los que se recordará como músico integral, completo, uno de esos enormes compositores y atrevidísimos arreglistas, con independencia del instrumento que tocaran. Esa élite que incluye a gente como Thelonious Monk o Duke Ellington nos dio a un músico capaz de compaginar como nadie la tradición jazzística más profunda (el gospel, el sentido colectivo del jazz de Nueva Orleans, los esquemas de pregunta y respuesta) y la mayor sofisticación teórica proveniente del legado cultural europeo, originando un estilo que muchos situaron en la Tercera Corriente (aquella que buscaba fusionar elementos del jazz y la clásica) y que constituye uno de los sonidos más originales del siglo XX.
Todas esas características se dan de lleno en Mingus Ah Um, disco grabado en 1959, y cuya formación cuenta con dos saxos altos (uno de ellos también al clarinete), un tenor, dos trombones y la sección rítmica de piano, contrabajo y batería. Formación atípica que, gracias a los inspirados arreglos del de Arizona, suena casi como una auténtica big-band (otra de las evidentes características 
de su música).
La grabación, primera de Mingus para Columbia Records, comienza con "Better Git Hit In Your Soul", un espectacular tema en métrica de 6/8 que guarda tanto en forma como en estilo muchas semejanzas con el gospel. "Goodbye Pork Pie Hat" es un blues lento con la armonía muy modificada en homenaje a Lester Young (en el disco Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus aparecería como "Theme For Lester Young") donde la sofisticación armónica sirve como colchón al espacio y la calidad interpretativa. La magnífica "Open Letter To Duke" es una suite de tres temas que comienza a ritmo de bop para caer en un delicado tempo lento donde los vientos acompañan, responden y llevan en volandas al saxo solista hasta la tercera parte del tema, otra vez rápida, pero esta vez con ritmo latino y un final de lo más divertido. Mención especial para "Bird Calls", cuya introducción auténticamente suena a "llamadas de pájaro". El swingueante "Fables Of Faubus" se escribió en referencia a Orval Faubus, Gobernador de Arkansas, por sus tendencias racistas. Completan el disco el delicioso "Self-Portrait In Three Colors", "Boogie Stop Shuffle", "Pussy Cat Dues" y el simpático "Jelly Roll" (también grabado en Blues And Roots como "My Jelly Roll Soul"), blues en homenaje al gran pianista Jelly Roll Morton, y que recuerda mucho a los sonidos del ragtime y el dixieland de su época.
Respecto a la interpretación de los temas (todos ellos composiciones originales de Mingus) cabe destacar el enorme feelin’ de la sección de vientos, la sobriedad del propio Mingus al contrabajo y el enorme swing del batería Dannie Richmond, un habitual en las formaciones mingusianas. En definitiva, Mingus Ah Um es una de las mejores obras de uno de los mejores músicos que la historia del jazz y de la música en general nos ha dado, y merece un lugar de honor en cualquier discografía jazzística. *Arturo Mora Rioja*

1 - Better Git It In Your Soul
2 - Goobye Pork Pie Hat
3 - Boogie Stop Shuffle
4 - Self-Portrait In Three Colors
5 - Open Letter To Duke
6 - Bird Calls
7 - Fables Of Faubus
8 - Pussy Cat Dues
9 - Jelly Roll
10 - Pedal Point Blues
11 - GG Train
12 - Girl Of My Dreams


Charles Mingus (contrabajo); John Handy (saxo alto, saxo tenor, clarinete); Booker Ervin (saxo tenor); , Shafi Hadi (saxo alto); James Knepper, Willie Dennis (trombones); Horace Parlan (piano); Dannie Richmond (batería).
30th Street Studio, Nueva York, 5 y 12 de Mayo de 1959.


Asuntos pendientes II - Kenny Dorham

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Kenny Dorham
Whistle Stop

A propósito de una de sus actuaciones en Buenos Aires, el escritor Carlos Sampayo recuerda que Kenny “tenía dos emisiones sonoras diferentes, que es como decir que una persona tiene dos voces. La una, expuesta por lo general en las baladas, era tersa y redonda; la otra, ácida punzante, aparecía intempestivamente.” Antes de partir a esa gira que lo traería a las costas sudamericanas Dorham grabó para Blue Note, secundado por Hank Mobley, Kenny Drew, Paul Chambers y Philly Joe Jones, el que posiblemente sea su mejor disco, compuesto en su totalidad por composiciones suyas: Whistle Stop, un perfecto ejemplo de lo que más arriba señalaba Sampayo. A la punzante intensidad de "Philly Twist" y aun "Buffalo" (típica slow march hard-boppera), a las variaciones rítmicas del tema que da título al álbum, se contrapone la suavidad de "Sunset", un ejemplo, por otra parte, de la bien digerida influencia que el jazz modal, o la elaboración armónica del expresionista "Sunrise In Mexico". Un álbum que entusiasmó al mismísimo Philip Larkin, con lo que está casi todo dicho.
*Jonio González*

1 - Philly Twist
2 - Buffalo
3 - Sunset
4 - Whistle Stop
5 - Sunrise In Mexico
6 - Windmill
7 - Dorham's Epitaph

Kenny Dorham (trompeta), Hank Mobley (saxo tenor), Kenny Drew (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería). 

Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey, 5 de Enero de 1961.

Blue Note #10 - John Coltrane

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John Coltrane
Blue Train

Una provocativa muestra del lenguaje duro y moderno que destaca sobre todo por la notable continuidad solista del tenor Coltrane. Llevados por los creativos y vibrantes ritmos –obra de Paul Chambers, (Philly) Joe Jones y Kenny Drew-, el trompetista Lee Morgan y el trombonista Curtis Fuller aportan unas ejecuciones perfectas.
**Billbord, 3 de Marzo de 1958**

Este es un disco venerado, apreciado y amado por muchos; con todo, otros no acaban de ver claro el bullicio que causa. Yo mismo me encuentro entre los primeros. Es cierto que existe cierta polémica en torno a este disco y que hay críticos que sostienen que tanto Lee Morgan como Curtis Fuller han hecho trabajos muchos mejores. Sin embargo, estos juicios se antojan demasiado duros; después de todo, se trata de un disco de Coltrane.
Kenny Drew, Paul Chambers y Philly Joe Jones ya habían tocado juntos en el álbum que el pianista había grabado para Riverside Records, por lo que ya conocían los estilos de sus compañeros.
Lo cierto es que, desde la pieza que da título al disco –cuyo valor se ve prácticamente duplicado gracias a la incorporación de “Moment’s Notice”-, se trata de una obra maestra.
Blue Train resulta tan familiar que incluso puede parecer la sintonía de una serie de televisión que hubiéramos olvidado hace mucho o la banda de sonido de un film atmosférico. Tiene todo lo que hace que el jazz sea tan conmovedor.
El debate que existe sobre el disco se centra en el tema “Blue Train”. En la edición original, el solo de piano de la toma 8 se empalma al de la siguiente toma de la misma sesión de septiembre de 1957 para dar lugar a lo que se ha considerado la obra maestra de Coltrane. En una reedición posterior se incluyeron tanto la toma 8 al completo como la versión compuesta, lo que enfureció a Van Gelder, para quien el empalme de la cinta era un “sacrilegio”.
Además de cuatro composiciones originales de Coltrane, incluye una hermosa lectura del estándar de Jerome Kern y Johnny Mercer titulado “I’m Old Fashioned”, que resulta abiertamente sentimental y se encuentra entre las mejores baladas de Coltrane.

Nota: en la edición que se presenta aquí, editada para el 75 aniversario de la Blue Note, figuran las tomas cuestionadas en su totalidad: el master "empalmado" -identificado como toma 9-, la toma 8 que se tomó para conformar el original ("alternate take 1") y una toma inédita aún que en la sesión correspondió a la toma 7 ("alternate take 2").
Y a no olvidar que Blue Train es considerada como una de las piezas más influyentes, no sólo de la carrera de Trane, sino del género jazz en su totalidad.

1 - Blue Train
2 - Moment's Notice
3 - Locomotion
4 - I'm Old Fashioned
5 - Lazy Bird
6 - Blue Train (alternate take 1)
7 - Blue Train (alternate take 2)
8 - Lazy Bird (alternate take)


John Coltrane (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Kenny Drew (piano), Paul Chambers (contrabajo), "Philly" Joe Jones (batería).

Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey, 15 de Septiembre de 1957.

Hank Mobley - Explosivos guardados

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Hank Mobley
Poppin'

Poppin' fue una de las muchas sesiones que el extraordinario Hank Mobley grabó a finales de 1950 y principios de los 1960. Sin embargo permaneció inédito durante 30 años. Es difícil decir por qué este disco quedó tanto tiempo en suspenso dentro de las bóvedas de la Blue Note. Podría especularse en que no se lo consideró como una pieza esencial. Sin embargo es tan bueno como los demás registros que grabó por entonces.
La omisión parece mayor si se considera que en aquella ocasión Hank estuvo al frente de un sexteto de lujo: el trompetista Art Farmer, el saxo barítono Pepper Adams, el pianista Sonny Clark, el contrabajista Paul Chambers y Philly Joe Jones a la batería.
Con un programa constituido por cinco composiciones del propio Hank más un clásico del repertorio jazzístico atacados con total pasión y vigor, todos los músicos convierten el proyecto en una cátedra de refinamiento y buen gusto -en especial los ágiles solos de Sonny Clark-, logrando finalmente una colección impecable del más auténtico y sólido hard bop.

1 - Poppin'
2 - Darn That Dream
3 - Gettin' Into Something
4 - Tune Up
5 - East Of Brooklyn

Hank Mobley (saxo tenor), Art Farmer (trompeta), Pepper Adams (saxo barítono), Sonny Clark (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Van Gelder Studio, Hackensack,  New Jersey, 20 de Octubre de 1957

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